May Playlist Vol.2

1.  Janet Jackson "Would You mind"

2. Modeselektor feat. Thom Yorke  "This"

3. Sigur Rós "Ég anda"


4. Gil Evans & Cecil Taylor "Bulbs"

5. きゃりーぱみゅぱみゅ "CANDY"

6.  Masabumi Kikuchi Trio "So What Variations"

7. Hocus Pocus "Place 54"

8. THA BLUE HERB "LOST IN MUSIC BUSINESS"

9. Massive Attack "Protection"

10. Submotion Orchestra "It's Not Me It's You(Original Mix)"

いやはや、この一ヶ月で一体どれだけの悲惨なニュースがこの国に降りかかったのだろう。ソニー、シャープ、パナソニック…かつて日本の誇りであった大企業は海外勢に飲み込まれ、通貨は価値を失い、芸術家たちはこの世を去った。そんな中、音楽を聴く僕の心境は複雑だった。シガー・ロスの4年ぶりの新作は2010年に制作されたヨンシーのソロ・アルバム『Go』の色鮮やかな音の重なり、すなわち開放的なムードが引き継がれていて、「未来は明るい」と主張している。逆に2のトム・ヨークはダブステップと共振しながらイギリスのアンダーグラウンドへと完全に舵を切っており、『In Rainbows』の頃の肯定的なムードから少しずつ遠ざかっている。5のきゃりぱみゅなんかはK-POPを吸収しながら金も希望もない今の若い世代に対して「考えるのはやめよう」と、日本語を韓国語で翻訳したような口調で語りかけている。一体、僕らに必要な音楽はどれなのだろうか。

そんなことを考えている間に、8を聴いて一気に目が覚めた。THA BLUE HERBの強烈なステイトメントであるこの曲は、音楽ビジネスを死にものぐるいで生き抜いてきたから彼だからこそ僕の、そして多くの人々の心に突き刺さる。随分と渋くなった声で彼は吐き捨てた。「代わりはいくらでも控えてるぜ／好きに使ってくれ／飽きたら捨ててくれ」

菊地雅章／ポール・モチアン／吉田達也／マイルス・デイビス

Masabumi Kikuchi Trio 『Sunrise』

ジャズが好きな人から「好きなジャズの曲は？」と聞かれれば迷わずマイルスの"Fall"と答えるが、ファンク好きから同じ質問をされたら菊地雅章の"Gumbo"を挙げるかも知れない。菊地は日本でエレクトリック・マイルスのサウンドを洗練／深化させた第一人者として知られているが、その洗練されたポリリズムの構築美はむしろ混沌としたエレクトリック・マイルスにはない魅力である。中でも1998年に制作された代表作『Susto』は他の追随を許さない完成度を持っており、僕は初めて聴いた瞬間、『On the Corner』や『Bitches Brew』より大きな衝撃を受けた。

そんな菊地の初のECM録音が発売されると聞いて久々にわくわくしたが、それが昨年11月に惜しくもこの世を去ってしまったポール・モチアン(ビル・エヴァンス『ワルツ・フォー・デビー』などのドラマーとして有名)の最後の録音でもあると知ったとき、僕の頭に浮かんだのはやっぱりマイルスだった。エレクトリック・マイルスのサウンドを発展させた菊地と、マイルスのピアニストとして名を馳せたエヴァンスの右腕として活躍したモチアン。この2人が今になって出会い、共演したということ自体が、マイルスの残した功績を改めて物語っている。

さて、コンポーザーとしての菊地の魅力にしか触れたことがなかった僕にとって、ピアニストとしての菊地に焦点が当てられた今作は非常に新鮮な驚きで満ちていた。強烈にスイングする彼のピアノは、時にキース・ジャレット並みにやかましいうなり声とともに、演奏を静かなカタルシスへと導いていく。そこにリズムではなくフレーズとしてドラムを付け足すモチアンは、死の直前だとは到底思わせないような軽快なプレイを展開している（個人的なハイライトは、マイルスの名曲"So What"をモチーフにした"So What Variations"）。静かな、凛とした雰囲気はさすがECMといったところだが、その中でもしっかりと「グルーヴ」を感じさせることができるのは、この3人の化学反応が成功であることを物語っている。

Tatsuya Yoshida 『Drums, Voices, Keyboards, & Guitar』

次に耳にしたのが、偶然にも菊地雅章のSlash Trioというバンドでドラマーを務めている吉田達也のソロ・アルバム。この人に関しては、ルインズというバンドを結成したアヴァン・プログレ・ドラマーだということぐらいしか知らなかったが、（ルインズの作品は一枚も聴いたことがない）この路線で世界的に支持されているボアダムズ同様、音楽としてとにかく面白い。『Drums, Voices, Keyboards, & Guitar』と名付けられたこの作品は、その名の通りドラム、ボーカル、キーボード、そしてギターによる即興演奏集だが、実際はカリンバといった楽器にもアプローチしたり、さまざまなエフェクトを駆使したりと、その音楽性にはただ驚くばかりだ。13曲目の"Vonisch"はOneotrix Point Neverの名盤『Returnal』の1曲目にサンプリングされているし、ドラムと声の実験からなる"Drums_Voice"シリーズのあとの第2章の一部なんかは、なるほどドローンとして聴くことも可能だ。ドラムに大量のリバーブやらディレイやらディストーションをかけていく第３部はもはやパーカッシブな要素がなくなりベースやギターに聞こえる瞬間もあるし、自分がドラムをやっていたらかなり影響を受けていたかも知れないな･･･

菊地にしろ吉田にしろ、結局のところ、ひとつの楽器とひたすら向き合うという作業はジャンルや音楽性といった言語的な要素の強い側面をあくまで派生的なものとみなし、自身の「表現」をより強固にしていくのだろう。それが真の音楽家のあるべき姿だと思うし、彼らの音楽を聴く度に、僕は自分に問いかける。「お前は一体何がやりたいんだ？」と。

May Playlist Vol.1

1.  Oneohtrix Point Never "I Only Have Eyes for You"


2. Tangerine Dream "Love On A Real Train"


3. Traxman "Footwork on Air"


4. Gui Boratto "Take My Breath Away"

5. Eric Dolphy Quintet "G.W"

6. Thelonious Monk Quartet with John Coltrane "Sweet&Lovely"


7. Aphex Twin "Xtal"

8. J Dilla "So Far To Go"


9. Bersarin Quartet "Oktober"

10. Mark Mcguire "Far Away"

April Playlist

1. Robert Glasper “Cherish the Day”

2. Robag Wruhme “Thora Vukk” 


3. Frank Ocean “Swim Good”


4. Betty Wright “In The Middle Of The Game” 


5. Chromatics “These Streets Will Never Look the Same”


6. Spiritualized “I Am What I Am”


7. Radiohead “Identikit”


8. Beach House “Lazuli”


9. Dr. Dre “Let Me Ride”


10. Santigold “Big Mouth”



夏に向けてロックバンドの再結成（マイブラ、ストーン・ローゼズ、ビーチ・ボーイズ等々）やアルバムのリイシューが次々とアナウンスされ盛り上がっているが、「今」の音楽はむしろ彼らの栄光を遠ざけるように細分化／発展を続けており、僕としてはそっちを追いかけている方が100倍楽しい。今月はヒップ・ホップとR&Bに大分遅れを取りながらも、ブラック・ミュージックとしてのジャズをアップデートさせたロバート・グラスパーという才能に出会い、スピリチュアライズドの新作におけるギター・ノイズの応酬に心を震わせ（当分はヴェルヴェット・アンダーグラウンドを聴く必要はないだろう）、Actressのしたたかなアンビエンスに息を呑んだ。そして何より、あまりに大人な恋愛小説『The Marriage Plot』を読んだことで、人間関係に対する考え方をなんとなく見直しつつある。今月は待ちに待った巨匠・ペドロ・アルモドバル監督の新作『私が、生きる肌』が公開。これはもう･･･やばいでしょ。

Chromatics "Kill For Love"

血の匂いのするところには甘い恋の香りも漂っている…というのがハリウッドの築き上げてきたイメージだが、そのサウンドトラックとしてこれほど相応しい作品はないだろう。音数の少ないギター、やたらとダビーなベース、そして官能的な女性ボーカル。１時間半という長さからもうかがえる通り、明らかに映像を意識した作りである一方、バンド演奏というスタイルにもこだわっているところに、このクロマティックスという集団の美意識を垣間見ることができる。冒頭の"Into the Black"では、気怠いギターとくたびれたドラムのリズムに乗せて女は歌う：

「消えていくくらいなら燃え尽きた方がマシ

ブルーから抜け出して

ブラックに足を踏み入れる」

退廃的な空気、孤独、夜、ガソリンのにおい･･･並べられる言葉はありがちなものばかりかも知れない。しかし、それはGirlsやAriel Pinkなどが体現するドラッグとセックスにまみれた死のユースカルチャーとは異なり、あくまで画面の向こう側のイメージとして、スタイリッシュに、メタに捉えられたものだ。前半のメロディアスな楽曲も素晴らしいが、ボコーダーのかかった歌声とミュートされたギター・リフが約9分にわたって展開される”These Streets Will Never Look the Same”辺りからところどころに佇んでいた街灯もいよいよ姿を消し、主人公を完全な空虚へと誘う。それは麻酔を打たれたような感覚で、ほんの少し前まで時間はゆっくりと流れていたはずなのに、気付けばエンドロールが流れ、カーテンが上がり、作品は終わりを迎える。そして、現実に抱えるあらゆる不安や悩みを塗りつぶしてしまうほど濃厚な暗闇が消え去ってしまったことに絶えられない僕らは、もう一度、その甘い歌声に手を伸ばすことしかできないのだ。

Lone “Galaxy Garden”

前作『Emerald Fantasy Tracks』のアートワークと見比べてみれば、LoneことMatt Cutlerが今作で示している音楽的方向性の変化は明らかだろう。要するに、海から宇宙へ･･･あるいは昼から夜へとその舞台を変えている。もっとも、これは最近のシーン全体に見られる傾向で、「チルウェイヴ＝海」というイメージを作り上げたWashed Outは寝室へ、Toro Y Moiもダンスフロアへとそれぞれの道を歩み始めている。霧のように楽曲を覆っていたリバーブが薄れ、よりしっかりとした、シンプルな音が今のチルウェイヴの主流である。それはもはや、ノスタルジアを表現する場として、時代の最先端を走るダンス・ミュージックというフォーマットが相応しくないということなのかも知れない。

したがって、リバーブの効いた、陽気なLoneが好きだったファンにとっては、がっかりする内容になっているかも知れない。また、宇宙的＝コズミックと呼ばれる音楽が持つスピード感や陶酔感という点では、依然からその方面で人気を博しているフライング・ロータスやハドソン・モホークに軍配があがることは否めないだろう。それでも、彼の卓越したメロディセンスはやはり何物にも代え難く、幾重にも重なるシンセのメロディが4つ打ちのビートと絶妙に絡み合う”Lying in the Reeds”は前作のハイライト”Aquamarine”の進化形とも言うべき、洗練されたダンス・ミュージックだ。まぁ、彼は今後もコロコロと方向性を変えて、リスナーを煙に巻くのだろう･･･だがその未熟さこそが、このシーンが持つかけがえのない魅力にもなっていることは確かだ。将来なんて、想像するだけ無駄なんだから。

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